ショートフィルムの魅力

時間の制約が生む創造力

ショートフィルムは、一般的に1分から30分程度の長さで制作されます。この限られた時間の中で、観客の注意を引き、感情を揺さぶり、物語を完結させる必要があります。この時間的な制約は、映画制作者にとって挑戦であると同時に、創造力を発揮する場でもあります。無駄のない脚本、凝縮された演技、効果的な編集技術が求められ、全ての要素が一つの目的に向かって統合されるのです。

強いメッセージ性

ショートフィルムは、その短さゆえに、明確で強いメッセージを伝えることが得意です。観客に考えさせるテーマや、社会問題に対する鋭い洞察を提供することができます。短時間で視聴者の心を捉え、感動させるため、メッセージ性の強い作品が多いのも特徴です。例えば、環境問題、社会的正義、個人的な成長など、さまざまなテーマがショートフィルムを通じて効果的に伝えられます。

手軽な制作と視聴

ショートフィルムは、長編映画に比べて制作費や時間が少なくて済むため、インディペンデント映画制作者や学生にとって理想的な形式です。また、インターネットやソーシャルメディアの普及により、ショートフィルムは簡単に共有され、視聴される機会が増えています。これにより、新進気鋭の映画制作者が自分の作品を発表し、広く認知されるチャンスが広がっています。

ショートフィルム制作のポイント

強いコンセプトとシンプルなストーリー

ショートフィルムの成功の鍵は、強いコンセプトとシンプルなストーリーです。観客に伝えたいメッセージや感情を明確にし、それを支える簡潔で力強いストーリーを構築することが重要です。複雑なプロットよりも、明確なテーマとキャラクターの動機を中心に据えることで、短時間でも視聴者を引き込むことができます。

インパクトのあるオープニング

ショートフィルムは、観客の注意をすぐに引きつける必要があります。インパクトのあるオープニングシーンは、そのための重要な要素です。視覚的に魅力的であったり、謎めいた状況を提示することで、観客は物語に引き込まれます。第一印象で興味を持ってもらうことが、短編の成功に直結します。

キャラクターの深みと感情表現

限られた時間の中でキャラクターに深みを持たせることは難しいですが、それがショートフィルムの魅力でもあります。キャラクターの感情や動機を短いシーンの中で効果的に表現するためには、演技力が重要です。また、台詞だけでなく、視覚的な表現や音楽を通じてキャラクターの内面を描写することが求められます。

効果的な編集とテンポ

ショートフィルムでは、編集の技術が特に重要です。無駄なシーンを省き、物語のテンポを維持するために、緻密な編集が必要です。効果的なカットやシーンの切り替えにより、観客の関心を引き続け、感情の流れを途切れさせないようにします。また、音楽やサウンドエフェクトも編集の一部として、物語の盛り上がりや感情の変化を強調する役割を果たします。

ショートフィルムの影響力

映画祭での評価

ショートフィルムは、数多くの映画祭で取り上げられ、高い評価を受けています。カンヌ国際映画祭、ベルリン国際映画祭、サンダンス映画祭など、世界的な映画祭にはショートフィルム部門があり、優れた作品が選ばれています。これらの映画祭での受賞は、映画制作者にとってキャリアの大きなステップとなります。

新人映画制作者の登竜門

ショートフィルムは、新人映画制作者にとって登竜門となります。短い時間で自分の才能を証明することができ、次のプロジェクトや資金調達の機会を得るための重要なステップです。多くの著名な映画監督が、ショートフィルムからキャリアをスタートさせており、その成功例は数多く存在します。

ソーシャルメディアとバイラル性

ショートフィルムは、その短さとインパクトの強さから、ソーシャルメディアでの共有が容易です。バイラル性が高いため、瞬く間に多くの人々に視聴される可能性があります。これにより、映画制作者は幅広いオーディエンスにリーチし、自分の作品やメッセージを広めることができます。

ショートフィルムの多様性

ジャンルとスタイルの豊富さ

ショートフィルムは、その短さゆえに、さまざまなジャンルやスタイルを試すことができる柔軟性があります。ホラー、コメディ、ドラマ、SF、アニメーションなど、ジャンルを問わず、自由な表現が可能です。例えば、短いホラー映画は限られた時間で強烈な恐怖を与えることができ、コメディ短編は素早く笑いを誘うことができます。さらに、実験的なスタイルやビジュアルアートの要素を取り入れることで、従来の映画では難しい斬新な表現を試みることもできます。このように、ショートフィルムは多様なクリエイティブの可能性を探求するための理想的なプラットフォームです。

国際的な視野と文化交流

ショートフィルムは国際的な視野を持ち、文化交流を促進するための重要なツールとなります。異なる文化や背景を持つ制作者が、それぞれの視点から物語を語ることで、観客は多様な文化や価値観に触れることができます。国際的な映画祭では、世界中のショートフィルムが上映され、異なる文化圏の物語や問題意識を共有する場が提供されます。これにより、観客は自分の文化を超えて新しい視点を得ることができ、グローバルな理解と共感が深まります。

ショートフィルムの教育的価値

映画制作の教育ツールとして

ショートフィルムは、映画制作の教育ツールとして非常に有用です。映画学校やワークショップでは、学生が実践的なスキルを学ぶためにショートフィルムの制作が奨励されています。脚本の書き方、演出、撮影、編集など、映画制作の全プロセスを短期間で経験することができるため、学習効率が高いです。さらに、完成したショートフィルムはポートフォリオとしても活用でき、学生の将来のキャリアにおいて重要な役割を果たします。

社会問題の教育と啓発

ショートフィルムは、社会問題の教育と啓発にも効果的です。短い時間で強いメッセージを伝える能力は、環境問題、人権、貧困、差別などの社会問題を取り上げる際に非常に有用です。学校やコミュニティでの上映会を通じて、これらの問題についての認識を高め、議論を促進することができます。ショートフィルムは、視覚的なインパクトと感情的な訴求力を持ち合わせているため、観客に強い印象を与え、行動変容を促すことができます。

結論

ショートフィルムは、数分という限られた時間の中で、深い感動と強いメッセージを伝える力を持っています。創造力と技術が試されるこの形式は、映画制作者にとっても視聴者にとっても特別な体験を提供します。強いコンセプト、シンプルなストーリー、インパクトのあるオープニング、キャラクターの深み、効果的な編集とテンポがショートフィルムの成功の鍵です。映画祭での評価やソーシャルメディアでのバイラル性を活かして、ショートフィルムは今後も多くの人々に感動を与え続けるでしょう。

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ルーレットに表示されるすべての数字の合計が666になることから、ルーレットはしばしば「観覧車」と呼ばれる。ゲーム中、プレイヤーはチップを使って遊技盤に自分の賭け金を置く。

映画のリストに移る前に、まず、ほとんどのカジノで人気のあるこの娯楽の由来をお話しし、ルーレットのルールについて思い出していただきます。

ルーレットについて知っていること

ゲームの原点

ルーレットは、フランス語で「車輪」を意味するルーレットが語源です。今日、私たちはこのゲームの起源についていくつかのバージョンを知っていますが、どれも正式には確認されていません。そして、ルーレットについて最初に言及されたのは18世紀にさかのぼります。

ルーレットはどのように誕生したのですか？

• 最初のバージョンです。ルーレットの歴史は古代中国に始まり、人々は「魔方陣」というゲームを愛した。それを見たフランスの修道士が、車輪に賭けることにしたのです。ゲームには37個のマスがあり、その中には小さな動物の像が置かれていた。この数字は、現在のルーレットにも残っている。しかし、このゲームの起源がこのバージョンである可能性はまだ低い。この娯楽の最も古いフランス版では、1〜38まで賭けることができたからだ。
• 第2弾。ルーレットの発明は、17世紀フランスの哲学者ブレーズ・パスカルに負うことができる。彼は永久機関を作り、車輪のような装置で多くの実験を行った。そして、面白いことに、この車輪にルーレットという名前をつけたのはパスカルである。数学者は、自分の実験をギャンブルに使うつもりは毛頭なかった。しかし、一部の人にとっては、良いエンターテインメントに見えたようだ。このように、ルーレットはパリの即席カジノで初めてプレイされたという言い伝えがある。
• 第3のバージョン。また、ルーレットがパリに登場したのは1765年という言い伝えもある。それを利用した遊びが「ホカ」である。フランスだけでなく、ドイツ、オーストリア、ハンガリーなどのギャンブル場でも人気を博した。1860年にモナコで最初のカジノがオープンしたとき、ルーレットが最大の成功を収めた。その後、ゲームは瞬く間に世界中に広まり、特にアメリカでは娯楽のルールが若干変更された。具体的には、ルーレットをアメリカ版とヨーロッパ版に分けるようになったのです。どちらのバージョンも、最も人気のあるカジノゲームの一つとして、愛され続けています。

ゲームのルール

ルーレット盤は、リールとプレイヤーがベットを置くプレイフィールドの2つの部分から構成されています。各プレイヤーは、テーブルの特定の区域に対応する同じ色のチップのみを使ってプレイすることができます。

ゲームのルールに従って、クルーピアが回転するホイールにボールを投げ入れる。そして、賭けたものを発表し、ボールがどの番号、どの色のセクタに落ちるかを見るのです。その時、幸運な当選者の名前が明らかになるのです。

テーブルを離れるとき、プレイヤーはカラーチップを最小ベット額で現金に交換することができます。

ルーレットが重要な役割を果たす印象的な映画3作品

ここでは、ルーレットのシーンが特に盛り上がる作品を紹介します。ポップコーンを焼いて、友達を誘って、家で映画鑑賞会を開きましょう。

“カサブランカ” 1942年

第二次世界大戦中のカサブランカの街を舞台にした、マイケル・カーティス監督によるアメリカの恋愛ドラマ。

この映画の中で最も有名なシーンのひとつが、ルーレットにまつわるものだ。リックの経営するカフェで再生されます。悪徳捜査官から逃れ、アメリカへ渡るために、2人の客はルーレットに賭けることですべてを賭ける。しかし、彼らが幸運に恵まれるかどうかは、カサブランカで見ることになる。

“クルーピアー “1998年

マイク・ホジス監督によるイギリスのネオ・ノワール映画です。この映画では、俳優のクライヴ・オーウェンが、カジノでクルーピアを務めるアマチュア作家を演じています。彼はギャンブルビジネスの盛衰を目の当たりにし、その結果、本のために多くの物語を収集することになる。

ルーレットは、映画の中で数多く見られるカジノのエンターテイメントの一つである。しかし、このゲームのあるシーンは特に魅力的です。

“ダイヤモンドは永遠に” 1971年

イギリスのスーパーエージェント、ジェームズ・ボンドを描いた7作目。この映画では、ショーン・コネリーがタイトルロールを演じており、カルト映画『ダイヤモンド・フォーエバー』の人気に拍車をかけています。

ストーリーは、ジェームズ・ボンドがカジノを訪れ、ルーレットとクレープで遊ぶというものです。007はいつものように運試しをし、観客に注意深くゲームを追うことを強要します。

カジノやスクリーンに映し出されるルーレットの魅力

ギャンブル産業は、その創設以来、驚異的な成長を遂げてきました。10億ドル規模のこの業界には、毎日多額の賞金を手にするプレーヤーが集まっています。

そして、ギャンブル映画は無数の形態で存在する。教育的であり、娯楽的な映画でもある。

ギャンブルに興味がある人は、いくつかのドキュメンタリーを見て、この業界とその最も著名な代表者について学ぶとよいでしょう。

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ギャンブルは、優れた文学作品や優れた映画脚本の中心的存在であることが多い。

プーシキンの『スペードの女王』におけるギャンブル依存症、神秘主義、占いから、『海洋』三部作のありふれた犯罪性まで、ギャンブルは単なる記号でありながら、物語の展開に重要な役割を果たすことがあるのである。

このような作品によって、ギャンブル業界に対して歪んだ見方をする人も少なくありません。

しかし、映画の世界にも、カジノやギャンブルの隠れた側面や、多くの人の人生を変えたギャンブルの実話を描いた価値ある例がたくさんあるのです。

ギャンブラー (1974)

スポーツ賭博に熱中する文学教師アクセル・フリードを描いた、ギャンブルを題材にしたカルトドラマ。

ドストエフスキーの小説『賭博師』からヒントを得たフリードは、文字通りギャンブルで儲けたいという欲望に取り付かれ、やがて全財産を失ってしまうのである。

最後の金を手に入れた元教師は、仕返しをしようとラスベガスへ向かうが、そこにはさらなる失望と運命の一撃が待っていた。

偶然の出来事が重なり、それでも借金を取り戻したフリードだが、この冒険が彼の人生を大きく変えることになる。

2014年にはマーク・ウォールバーグ主演のオリジナル作品のリメイク版が公開された。

ビッグゲーム（2017年）

高額な賞金をかけた違法ポーカー大会の運営で告発された実業家モリー・ブルームの自伝を基にした、より現代的なドラマです。

大怪我でスポーツスキーの道を絶たれたブルームは、ひょんなことからロサンゼルスの地下カジノで働くことになる。

ヒロインはギャンブルの複雑な仕組みをすぐにマスターし、経営者たちとスキャンダルを起こし、やがて自分のカジノをオープンさせる。

その結果、マフィアと対立し、暴力を受け、全財産を没収される。とはいえ、ブルームは敵の名前を明かさず、法廷で有罪を主張する。

ラッキーマン (2007)

この映画では、ギャンブルのメインゲームと言っても過言ではないポーカーを通して、家族関係の愛と難しさが描かれているのです。

才能あるギャンブラー、ハック・チーバーは権威あるポーカートーナメントに出場したいのだが、そのためにはどうしようもないほどの大金を集めなくてはならない。

チーバーは最愛の人から盗むことを決意し、借金まみれになりながらもトーナメントに臨むが、ファイナルテーブルでは父親との厳しい勝負が待っていた。

ぎくしゃくした家族関係は最終局面で決着し、チーバーは思いがけない決断を下す。

トゥエンティワン (2007)

ケビン・スペイシー主演の最も有名な映画とは程遠い、マサチューセッツ工科大学の学生数人と教授がカジノを打ち負かそうとする物語である。

元カードプレイヤーで、現在は高等数学と確率論の教授であるミッキー・ロサは、ラスベガス最大のカジノを倒すために優秀な学生を探し、ブラックジャックのテーブルで何度も何度も大儲けしている。

最初はすべてが計画通りに進んでいたチームだったが、やがて彼らの間で深刻なスキャンダルが勃発し、選手たちは互いにハメを外すようになる。

筋書きの重要人物の一人は、主人公を昔から知っていて狙っているカジノの監視員であることが判明する。

ブレーキ（2003年）

この作品では、主人公はカジノに対抗したのではなく、カジノのためにプレーしたのです。

英語版の原題（Cooler）は、カジノで働く不運な男が、その存在だけで他のプレイヤーを負かすことに言及したものである。

ラスベガスのカジノを経営するマフィアの一族に大金を借りていた「クーラー」バーニー・ルッツは、徐々に敗者としての自覚を持ち始め、カジノから足を洗おうとする。

20世紀末のギャンブルビジネスの知られざる側面を描いた、恋愛映画とコメディの要素を併せ持つ犯罪ドラマ。

クルーピアー (1998年)

カジノの裏側を描いた作品で、主人公がクルーピアの仕事を得て、ギャンブルの裏の楽しさを知るというもの。

作家としてのキャリアを続けるクルーピアのジャック・マンフレッドは、他人の負けを観察し、カジノのルールをすべて破ってしまう。

一人のプレイヤーを助けたいマンフレッドは、カジノへの強盗を決行するが、寸前で阻止される。

すべてを失ったクルーピアーは、その話を本にまとめて出版し、カジノで働き続ける。やがてジャックは、自分の仕事のキャリアが、父親が考えた巨大な犯罪計画の一部であることを知ることになる。

Vaバンク（2013年）

オンラインカジノとオンラインポーカーをプロットの先頭に据えた、現代的な映画です。

ジャスティン・ティンバーレイク演じる学生リッチー・ファーストは、プリンストン大学での学費を自力で工面しなければならず、そのためにオンラインポーカーゲームに全財産を賭けることを決意します。

負けたファーストは、オンラインカジノの運営と、負けたライバルのゲーム統計に異変があることに気がつく。

学生は、カジノのオーナー、イワン・ブロックを探すことにした。

ミシシッピ・ウォーク（2015年）

ギャンブル中毒の不動産屋が偶然出会った若いギャンブラーに、再び賭けで大金を調達する希望を抱かせる。

すべてを投げ出してアメリカ南部を巡る旅に出た二人だったが、ギャンブルへのあまりの情熱と中毒性から、二人の間には喧嘩が絶えず、借金は膨らむばかり。

主人公は、後輩の成功を願いながら、すべてを失い、敵前逃亡を余儀なくされる。

不運が続いたプレイヤーたちは、借金を清算して家族を助けるために、最後に勝った金額を賭けることを決意する。そして、この計画は失敗寸前であることが証明された。

オーシャンズトリロジー（2001～2007年）

もちろん、カジノ映画のセレクションでは、フランク・シナトラ主演の1960年の同名映画のリメイク版3本は外せません。

ハリウッドの大スターが演じる犯罪者たちが集まって、ラスベガス最大のカジノを襲うという筋書きである。

綿密に練られた計画はいつも最初の数分から吹っ飛んでしまい、主人公たちは即興で状況を打開する方法を考えなければならない。

多額の資金が投入され、FBI捜査官や各プレイヤーを常にチェックし、互いにハメようとする。

カジノ・ロワイヤル (2006)

さて、多くの映画ファンにとって思い浮かぶのは、おそらくメインのカジノ映画ではないだろうか。

奇妙なことに、この絵のプロットはギャンブルというより、イギリスのシークレットサービスが犯罪者と戦うというものだ。

同じ頃、モンテネグロのカジノロワイヤルで開催されたポーカートーナメントでは、別のジェームズ・ボンド物語の重要な出来事が展開されました。

このゲームの主な賞品はお金よりも、勝てばボンドが主敵のル・シッフルにMI6に協力させることです。しかし、計画通りにはいかず、ル・シッフルのハッタリでボンドは負けてしまい、その後はアクション映画のような展開が待っています。

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私は試合の後半まで韓国映画を見ませんでした。バートンホームズは、1901年に携帯電話で撮ったビデオを使って、韓国に新しいテクノロジーを初めて紹介しました。しかし、御殿王に見せてからわずか2年後、ソウル最大の商店街の1つである東大門市場で商業上映が始まった。

1909年以前、韓国には映画館がありませんでした。これは、ほとんどの韓国人が、ジョルジュメリエスによる有名な月への旅を含む、海外からの最初の映画を見たことを意味します。西洋映画は世紀の変わり目に人気がありました。

1919年、パク・サンピルの映画「フェア・リベンジ」は韓国初の映画となり、歴史を築きました。最初の韓国映画もそれほど洗練されていませんでした。彼らは背景を映画に記録することしかできませんでしたが、俳優は演劇のように観客の前で演じました。

映画は好評だったので、監督はその方向性を続けました。たとえば1920年には、韓国で最初の「長編映画」「ちき」が公開されました。

最初の韓国映画は1923年に公開され、「オーサントムーン」と呼ばれる無声映画です。初期の映画は厳しい労働条件に制約されていましたが、当時の映画の品質は高かったです。

アリランは有名な映画監督です。彼は1926年に立ち上げ、アリラン（1926）を作りました。これは、日本の植民地支配に関する活動家のテーマに関連した初期の映画の1つでした。彼はまた、トランプ（1945）とトワイライトストリート（1955）を作りました。

監督の自由は長くは続かず、30代前半までに、韓国では政府の検閲が増加し、映画の数が減少しました。 1931年に、彼は6本の映画をリリースしましたが、1932年には4本、1934年には2本しか公開しませんでした。

韓国の最初のサウンドフィルムであるチョン・ヒャンの物語は、1935年に公開されました。劇場で母国語を聞くのは初めてだったので、これは韓国の視聴者を喜ばせました。

1945年に戦争が終わった後、韓国は映画の実験に失敗しました。これは、1950年に内戦が勃発し、その間に3年間の蓄積された資源が破壊されたためです。最も深刻な結果は、韓国が北朝鮮から分離したことであり、私は北朝鮮について話します。

終戦後、韓国の映画産業は多くの自由を与えられ、その結果、生産が増加した。イ・シンマン大統領は以前、韓国の映画スタジオを税金から免除することを決定し、韓国映画の黄金時代を開始しました。それにもかかわらず、国内映画は1950年以来4倍強しか増加しておらず、年間111本の映画が制作されています。

シネマトグラフィーのスキルが向上するにつれて、映画のテーマやジャンルも増えています。初期の金綺泳監督は、男性を支配する強い女性キャラクターに重点を置いて、彼の絵画でこの主題に取り組んだ。このテーマに関する彼の最も有名な映画は、1960年のメイドでした-彼らのマスターを誘惑するメイドについてのスリラー。

1960年代のもう1つの物議を醸す映画は、エイムレスブレットです。その中で、ユ・ヒョンモク監督は戦後の韓国の現実を強調しています。飢餓、荒廃など。この映画は、厄介なトピックが明確に描写されているため、韓国の映画館では上映されませんでした。しかし、西洋の聴衆にとって、流れ弾はサンフランシスコインターナショナルで大成功を収めました。

しかし、韓国は1960年代初頭に軍事クーデターを経験したため、韓国映画の開発はスムーズではありませんでした。 ５カ年の経済発展計画で国の経済を絶望的なペースで成長させ、外国投資を主導してきた朴正煕（パク・ジョンヒ）大統領が大統領に就任した。彼の下で、映画館は困難を経験し始めました。

朴正煕は、韓国映画の国際的な成功を促進すると同時に、その数を制限するために、外国映画の割り当てを設定しました。彼らは年間71を超えることができず、州の検閲チェックを受けました。

映画産業を発展させるために、1973年に韓国映画製作公社が設立され、政府を積極的に示した映画だけを宣伝した。この業界の下で、優れたジャンルの映画が地下に潜り込み、脱出しようとしました。これは、学生が作成した独立した映画です。

検閲は1980年代後半にようやく解除されましたが、しばらく時間がかかりました。 1988年から1992年まで、すべての映画の半分だけが検閲を通過しました。テストはまだ大変でしたが、合格するのはかつてないほど簡単でした。

1988年、韓国での西部劇映画の台頭により、外国の映画配給会社が解任されました。その結果、韓国の映画スタジオは大幅な収益の減少を経験していた。 1993年;全映画配給の16％だけが韓国人によって所有されていました。そのような恐ろしい数は政府を怖がらせました、そして彼らは今それ自身の映画レンタルのための新しい割り当てを導入しました-各映画館は示さなければなりません.

韓国の映画は、映画製作者と新しい政策のおかげで、今では高品質に関連付けられています。

KOFICは韓国映画を支援する非営利団体です。彼らは資金調達、海外映画祭での宣伝、竹山映画祭や全州国際映画祭などのユニークなイベントの開催を支援しています。彼らの関与により、韓国に存在するアートハウスやオーターシネマを開発することができます。

これは、オープン性とインクルージョンの非常に良い例であり、長期的には有益である可能性があります。作家が作品をアップロードするために、韓国でオープンな電子データベースが作成されました。誰でもコンテンツを販売でき、毎月月末に4人の優秀な作家に3か月のトレーニングが提供されるため、将来的にはより質の高いコンテンツを作成できます。

評議会は主にAuturの映画をサポートしていますが、幅広い視聴者向けの映画は助成金なしでは残っていません。韓国の金融産業グループである財閥は、それに多額の投資を行ってきました。映画の公開をサポートした最初の会社は1992年のサムスンでした。彼らの財政的支援のおかげで、イ・ジョンジェ主演のコメディ「ウェディングストーリー」が作成されました。

コラの流通業者は当初、韓国画を海外に近隣諸国に輸出することに焦点を当てていました。韓国の恋愛映画はアジアで人気がありましたが、ヨーロッパやアメリカではほとんど知られていませんでした。

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今年のカンヌ映画祭は、主要な映画監督（ペドロアルモドバルを除く）からの新作が流入する、数年で最も競争の激しい映画祭です。今年はハリウッド映画はどれも上映されませんでした。

これにより、アートを作成するための従来のガイドラインシステムが完全に変わりました。 「カンヌプログラム」は、自尊心に比べて驚くほど話題から外れているように見えましたが、それでも重要な作品でした。これらは、フランス人のブルーノ・デュモンが示した「人間性」と、リュックとジャン・ピエール・ダルデンヌの作品に見られる「ロゼット」の一部です。そのうちの1人は審査員のグランプリを受賞し、もう1人は完全にセンセーショナルでパルムドールを獲得しました。これらの写真間のすべての違いは、リアリズムの新しい尺度によって要約されています。最新のヨーロッパ映画では、接頭辞「hyper」または「social」（この場合、特にフェミニズムと同盟）で表示されます。

ロゼッタ（ソ連を終わらせるのを手伝った監督についての映画）が授与されたとき、ホールは笛に勇気づけられて拍手喝采を浴びました。この映画はハンドヘルドカメラを使用して撮影されたもので、デンマークのドグマ映画を彷彿とさせます。それは、そのスタイリスト的に大胆な同胞よりも、そのヒューマニスティックな側面（社会主義リアリズム）で賞賛されてきました。カンヌ映画祭は. フェスティバルの最高の脚本をユーリ・アラボフに授与することは、この急進的な文脈に当てはまります。ジル・ジェイコブは、彼女が芸術のロマンチックな概念を拒否し、暴力を受け入れる社会を支持していることを彼女の選択で示唆しているようです。

ジェイコブの選択とクローネンバーグの決定は、20世紀の最後の数年間の映画の方向性に大きな影響を与えました。より良い用語がないため、これは「最後のリアリズム」として知られています。イタリアのネオリアリズムとフランスの「ニューウェーブ」が方向性、学校、マニフェストの類似点を明らかにした後で初めて。アニメーション機能のカテゴリは、特に2001年にロゼッタが勝利した後、カンヌで見事に紹介されました。これは、その時代の始まりとしてしばしば指摘されています。翌年にはヨーロッパ映画からの多くの迅速な更新が見られ、リンチ、グリーンウェイ、アルモドバルなどの高品質のカルトポストモダンアートシネマはすぐに過去のものになりました。私はまだハリウッドを信じています

ポストモダンの仮想体験は、1990年代後半にそのコースを実行したようです。ロッセリーニは「無防備都市」と「ドイツ零年」です。これは、映画が上映されたハリウッドの超現実に限定されていないことを私たちに思い出させます、そして時々私たちは私たちのルーツに戻ってより有機的なものを見つける必要があると感じます

「究極のリアリズムとは？」これはイラン映画の西洋のレーベルにすぎないので、私はこの用語に疑問を投げかけます。しかし、ヨーロッパの映画が世界のトレンドを形作るものであると主張することができます。映画がヨーロッパの文化や伝説に持つ深いルーツからわかるように。

湾岸戦争で見られるように、仮想戦争も予測できない可能性があります。状況をさらに不安定にすることは別として、他の世界はとにかく理解しやすいので、ヨーロッパの優先順位に変化があるかもしれません。ヨーロッパは西側の物理的な代表であり、ロシアとのつながりが現実との接触を失う方向へと導いてきました。

映画業界はこれらのシグナルに対応しました。ハリウッドの反応：リアリティの問題に取り組んだトゥルーマンショーやテールワグザドッグのような映画。そこでは、私たちは実際に現実の世界とは何の関係もありません。自分たちのために作成したシミュレーションだけです。しかし、これは完全に真実ではありません。なぜなら、私たちはまだ自分の目で「本当の泥棒」を見ることができるからです。

同じアイデアの最近の副次的な例は、ポール・バーホーベンの映画「透明人間」です。アイデアの起源についてコメントし、Verhoevenは体育館で古代ギリシャ語を学び、プラトンを原文で読んだことを思い出します。彼の本の1つで、古代の哲学者は、目に見えない男の秘密を学ぶと人々に何が起こるかについて論じています。アメリカンシネマは、プラトンの「現実を妨げる影」の概念という形で、プラトンの洞窟の影響を受けてきました。もっとばかげたハリウッド映画は、プラトンの複雑な哲学のエコーです。

ヨーロッパには重要な映画の過去はありませんが、歴史に対する潜在意識も強くなっています。これは、その暗い過去を探索するための媒体の使用によって示されています。スピルバーグはホロコーストについての愛情のこもった映画を作っただけでなく、イタリアのベニーニは彼の国の歴史の残忍な現実を示すいくつかを作りました。この形式の映画製作は、以前のものからの逸脱です

ヨーロッパの映画もプラトンの洞窟から抜け出し、物理的な素材の世界に突入し始めています。

ヨーロッパでは、芸術運動は非常にモダニストであるという評判がありました。このため、一部の芸術家は、現実に戻る方法はよりモダニズム的なアプローチによるものであると信じています。

そして、それは単なる恣意的な意味ではありません。仕事の世界と仕事の世界（「人材」が率いる一連のフランス映画）にも新しい発見があります。または、親密で性的な関係の領域（ロマンスのようなフランスのフェミニスト映画の別のシリーズ）。

今日、ポーランドとチェコ共和国がヨーロッパに積極的に統合しているとき、これらの国からの映画はロシアのものよりも西洋の映画祭でさらにまれです。これは、彼らが西洋の聴衆への露出を欠いているためです。ポーランドの映画監督が古典的な映画祭で独立した存在として残っているため、東西の統合がまだ達成されていないことは明らかです。

映画産業における西と東の反対は、中国、日本、韓国、さらにはイランの台頭に限定されていません。この文化的なジャンプは、さまざまな地域の芸術に関する一般的な反対でもあります。しかし、この観点を注意深く見ると、それは無知に陥るだけであり、分析のために新しいものや興味深いものを実際に生み出すことはありません。

ヨーロッパ中心主義の視点では、この文化地理モデルの中心がどこにあるかを簡単に確認できます。しかし、主な違いとして南北に再び焦点を合わせると、明確な中心地理を確立することが難しくなります。たとえば、イタリアでは、「ナポリの南はすべてチュニジアです」と彼らは言います。シチリア島の文化センターは主に北部にあります

しかし、例えば、過去の複雑な歴史を持つドイツは、どの都市が中心であるかを決めるのに苦労しています。 1871年に最初の民主共和国の1つとして知られており、ベルリンが再会した後、1989年と1990年に劇的な変化を遂げました。これはまた、西と東の間で文化的態度を分割しました。

「ニューウェーブ」がフランス、イタリア、イギリスの映画と類似していることについては多くのことを話すことができますが、「ドグマ」が作成された理由も理解する必要があります。実際、映画館では、自分たちのジャンルを浄化するために浄化プロセスが必要になる場合があります。そして、私たちは何か新しいものを紹介する時が来たと感じました：の慣習に反する何か. 確かに、「教義」の非常に具体的な原則とこの法則の間には関連性があります。それは自分を制限することです。さまざまなテクニックを使用することを禁じる自分自身を制限し、制限によって提供されるさまざまな機会を利用することさえできます。

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ボリウッドがスイスの山々を発見したのは1960年代のこと。

1970年代、伝説のプロデューサー、ヤシュ・チョープラーは、カシミールの坂道からアルプスの環境に移り、音楽に合わせて愛の宣言をする新しい高予算の恋愛映画を撮ることに決め、「山の愛」を特に流行らせた。

映画評論家でIndian ExpressのコラムニストであるShubhra Guptaは、Chopraの創作方法は「火のように広がっている」と述べています。

“ボリウッドのロマンスは、主人公たちが氷の斜面に落ちることなしには完成しないと考えられていたほどで、ヒロインは薄いシフォンだけで、ヒーローは防水ブーツとジャケットで飛び降りるのです！”

しかし、このイメージはもはやムンバイの産業界を魅了するものではない。

エキゾチックなロケ地は今でも流行っていますが、今ではボリウッドの撮影隊はスコットランド、アメリカ、オーストラリア、ニュージーランド、タイ、南アフリカで見かけることができます。

スーパーヒーローで興行収入アップ

観客にロマンチックな物語を届けるのに苦労しているのは、ボリウッドだけではありません。

グプタは、観客の大部分、つまり15歳から25歳の若者は、スーパーヒーローやあらゆる種類のコミック本の自警団が登場する映画に大きく傾倒していると主張しています。

「若い恋人たちはスクリーンで観客を見つけるのに苦労し、成熟したラブストーリーは映画館からすっかり姿を消してしまった」と批評家は心配する。

最近の興行で最も人気のあるスーパーヒーローアクション映画といえば、リティック・ローシャン主演のSFシリーズ「クリッシュ」である。

しかし、スーパーヒーローは1987年にアニル・カプールが主演した大ヒット作『Mr.India』から存在していたのである。

男を探せ!

ハリウッドと同様、ボリウッドもスーパースターが中心で、そのほとんどが50歳以下の男性です。

映画評論家のグプタの言葉を借りれば、彼らは「ボールを支配している」のだ。その中には、過去20年間にムンバイ発の大ヒット作に数多く登場している3人のカーン、シャールク・カーン、サルマン・カーン、アミール・カーンも含まれています。

「一般的な視聴者は、お気に入りのカーンやカプールがずっと若い女の子とはしゃいでいるのを見ても、不協和音のようなものを感じない。ボリウッド映画の主流では、ヒロインは大スターであろうと、必要だが簡単に取り替えられる存在であり、ヒーローはそうではない」と評論家は付け加える。

映画産業は真空中の孤立したシステムではなく、家父長制の導管である、とゾーヤ・アクタル監督は言う。

“女性に対する認識の形成 “を煽る。例えば、映画の中で、男性が女性を執拗に追いかけるシーンが何度も出てきますよね。インド映画はこの国のポップカルチャーの主なベクトルなので、もっと責任を持たなければならない」と監督は自信を見せる。

超音波の寸前で歌った曲

映画史家のナスリーン・レーマン（Nasreen Rehman）は、「映画の中の歌は、1930年代からほとんど変わっていない、地方の歌の派生である」と言う。

「オペラに例えられるが、オペラが連続的に歌うのに対して、インド映画は平均して5〜9曲だ」と専門家は強調する。

歌と踊りの両方が、愛の幸福感を伝えるために、また物語のリンクとして使われているのです。

「歌と踊りが必需品になったとき、顔と声の組み合わせを見つけるのは簡単ではないことがわかり、フォノグラムが頻繁に使われるようになった」とレーマンは言う。

女性の高い声をオペラに例えてみるのも面白いかもしれません。

歴史家によれば、古典的なドゥルパッドの伝統に則って歌う訓練を受けたヌール・ジャハンとラタ・マンゲシュカルは、他の女性歌手にとって参考となった。

ノールジャハンは、後にパキスタンに移って、そこで彼女の最高の歌の多くを記録しました。

歌手のルナ・ライラとフィルダウシも高い声で認知されており、パキスタンとバングラデシュで歌った。

古典の伝統では、南アジアの女性声楽家は、ヌール・ジャハーンやマンゲシュカーよりも低い周波数で歌い、その声高は西洋のオペラのソプラノ歌姫に近くなっている。

悪いダンサーを助ける木

かつて、ボリウッド・スターたちは、定期的に木の周りで愛の告白を踊っていた。

なぜ、この方式が何世代にもわたって生き残ってきたかというと、一番簡単な答えは、「ダンスが下手だったから」です。

「これらの映画では、ダンスはセクシュアリティを象徴しています。かつては、映画の中で踊るのはセックスシンボルだけだった。今では、ヒーローもヒロインもみんな踊っています」とNasreen Rehmanは断言します。

ここ数十年、ボリウッドの俳優たちは、確かに動けることを証明してきました。

「1980年代までは、山々を背景に、どこからともなくダンサーが現れていたんです。現在でも突然現れることはありますが、振り付けはずっと洗練されたものになっています」とカラン・ジョハル監督は言います。

ボリウッドの華麗なダンスは、『ムーラン・ルージュ』のバズ・ラーマン監督をはじめ、多くの欧米の映画監督のインスピレーションの源になっています。

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インド初の長編映画は、1913年5月3日に初公開された。その時上映されたのが、ドゥンディラージ・ゴーヴィン・ファルケ監督の白黒映画『ラジャ・ハリシュチャンドラ』である。

決して嘘をつかない正義の支配者の物語です。

専門家によると、最も印象的なシーンは、主人公が妻のタラマティに会いに行ったとき、インドの伝統的な女性服である濡れた体にフィットするサリーを着た彼女とメイドがプールにいるのを見たときだそうだ。

実は、今の基準から見ても印象的なこのシーンには、女性に変装した男性俳優が出演していたのです。

ファルケは95本の長編映画を作ったが、貧困の中で亡くなった。

南アジア映画史家のナスリーン・レーマンが指摘するように、ムンバイを拠点とするヒンディー語映画産業に「ボリウッド」という名称が適用されるようになったのは最近のことである。

「ボリウッドという言葉は、ムンバイの映画製作が西洋の想像力をかきたてた後に生まれた20世紀末の発明です」とレーマンは言う。

1930年代のキスは1人4分だった

デヴィカ・ラーニは1933年の映画『カルマ』で、スクリーンに夫の唇を映し出した。女優さんは、たっぷり4分間、夫の口から離れませんでした。

キスの達人として知られるデビカ・ラーニさん

映画評論家でIndian ExpressのコラムニストであるShubhra Guptaは、独立後、「神聖さと誤った謙虚さの瘴気」の中でキスが消え、インドの文化や伝統に基づく何が許され、何が許されないかという誤解が生じたためだと指摘した。

1954年、インドの女性たちがネルー首相に、映画の影響による「早すぎる性行為デビュー」を抑制するよう嘆願した。

しかし、この10年で大きく変わりました。

「キスは映画の中で再びその地位を確立しつつある。花にうなずくことや白鳥を愛撫することは、灰色の時代に入ってしまった」とグプタは付け加える。

評論家は、現代の産業界がセックスや欲望は人間の行動の一部であると認識したため、現在のボリウッドは数十年にわたる性の抑圧の埋め合わせをしようとしていると指摘しています。

インド人の大多数は映画を観ない

先日、カラン・ジョハール監督はこう語っていた。「12億人のインド人のうち、映画は少なくとも3億人に届くはずですが、現状では4500万人にしか届きません。この観客をどう取り込むかがわかれば、ゲームを変えることができる。”

とはいえ、ボリウッド映画産業は決して生産不足に陥っているわけではなく、年間1000本以上の映画が公開されており、世界最大の映画市場である。

このトピックはBBCのフォーラムで議論されています

BBCのインド担当ビジネス特派員、シルパ・カナン氏は、インドでは20以上の言語で映画が作られているが、ヒンディー語をベースとするボリウッドが最大の生産者であると指摘する。

インド映画で最も高額なのは、3500万ドルのタミル語版「ロボット」です。

インド人は年間27億枚のチケットを購入しており、これは世界で最も多い。しかし、チケットの平均価格は世界でも最低レベルなので、チケット販売による収入はハリウッドの数倍にもなる。

映画大国であるにもかかわらず、映画館の数は約1万3千と、アメリカの約4万館に比べ、インドはまだまだ少ない。

欧米の俳優もボリウッドスターに

毎年、何千人もの欧米の俳優がボリウッドにやってきて、ブレイクすることを望んでいます。多くはエキストラからスタートします。しかし、これは今に始まったことではありません。

ボリウッドでカルト的な人気を得た最初の外国人は、「大胆不敵なナディア」または「フーンターワリ」（「鞭を持つ女」）とも呼ばれるオーストラリア人のナディアだったかもしれない。

1935年か1936年に来日し、インド映画界初のスタントクイーンとなった。

映画史家のJaiprakash Choksi氏は、35本の映画に出演したNadiaは、子供の頃に好きだったキャラクターだという。

「マスクをして馬に乗り、動く列車に飛び乗り、たった一人で25〜30人の男を鞭打ち、必要なら素手でバラバラにすることもできた」とチョクシは懐かしさにふける。

1922年の無声映画『パティ・バクティ』では、イタリアの女優シニョリーナ・マネッリが女ヴァンプを演じた。この映画は、女性は夫に尽くすべきというモラルを持つ映画であった。

カトリーナ・カイフは、ボリウッドにおける外国生まれのスーパースターの地位を維持した。

インド生まれのアメリカ人、トム・オルターは、訛りの目立つヒンディー語を話す「白人」として60本の映画に出演しています。

そしてもちろん、官能的なダンスで何世代にもわたってインド映画の視聴者を魅了したヘレンもいる。服にとらわれず、ベリーダンスやヒップスピンを通して、何世代にもわたってインドの男性たちの心をつかんできたのです。

近年、ボリウッドの女王と呼ばれるカトリーナ・カイフほど、外国語訛りのヒンディー語を話す英国人ハーフの女性が台頭してきた人はいないかもしれませんね。

ドイツはボリウッドをどう助けたか

インド映画の黎明期には、西欧からの機材が不可欠であった。

1920年、監督兼俳優のヒマンシュ・ライは、ドイツの制作会社エマルカと契約を結び、その後、彼らは提携して数々の大成功を収めた、と歴史家のジャイプラカーシュ・チョクシは言う。

ドイツ人監督フランツ・オステンは、ライ社のために14本の映画を監督していたが、第二次世界大戦が始まると同時に、イギリスの植民地政府は約12人のドイツ人技術者を国外追放し、この儲かるパートナーシップは終わりを告げたのである。

1930年代まで、カルカッタは確かにインドの映画製作の中心地だった、と歴史家のナスリーン・レーマンさんは言う。

多くの映画人がボンベイ（当時はムンバイと呼ばれていた）に移り住んだのは、戦時中にインドの東部国境に日本の脅威が迫ってからのことである。

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