ショートフィルムの魅力

時間の制約が生む創造力

ショートフィルムは、一般的に1分から30分程度の長さで制作されます。この限られた時間の中で、観客の注意を引き、感情を揺さぶり、物語を完結させる必要があります。この時間的な制約は、映画制作者にとって挑戦であると同時に、創造力を発揮する場でもあります。無駄のない脚本、凝縮された演技、効果的な編集技術が求められ、全ての要素が一つの目的に向かって統合されるのです。

強いメッセージ性

ショートフィルムは、その短さゆえに、明確で強いメッセージを伝えることが得意です。観客に考えさせるテーマや、社会問題に対する鋭い洞察を提供することができます。短時間で視聴者の心を捉え、感動させるため、メッセージ性の強い作品が多いのも特徴です。例えば、環境問題、社会的正義、個人的な成長など、さまざまなテーマがショートフィルムを通じて効果的に伝えられます。

手軽な制作と視聴

ショートフィルムは、長編映画に比べて制作費や時間が少なくて済むため、インディペンデント映画制作者や学生にとって理想的な形式です。また、インターネットやソーシャルメディアの普及により、ショートフィルムは簡単に共有され、視聴される機会が増えています。これにより、新進気鋭の映画制作者が自分の作品を発表し、広く認知されるチャンスが広がっています。

ショートフィルム制作のポイント

強いコンセプトとシンプルなストーリー

ショートフィルムの成功の鍵は、強いコンセプトとシンプルなストーリーです。観客に伝えたいメッセージや感情を明確にし、それを支える簡潔で力強いストーリーを構築することが重要です。複雑なプロットよりも、明確なテーマとキャラクターの動機を中心に据えることで、短時間でも視聴者を引き込むことができます。

インパクトのあるオープニング

ショートフィルムは、観客の注意をすぐに引きつける必要があります。インパクトのあるオープニングシーンは、そのための重要な要素です。視覚的に魅力的であったり、謎めいた状況を提示することで、観客は物語に引き込まれます。第一印象で興味を持ってもらうことが、短編の成功に直結します。

キャラクターの深みと感情表現

限られた時間の中でキャラクターに深みを持たせることは難しいですが、それがショートフィルムの魅力でもあります。キャラクターの感情や動機を短いシーンの中で効果的に表現するためには、演技力が重要です。また、台詞だけでなく、視覚的な表現や音楽を通じてキャラクターの内面を描写することが求められます。

効果的な編集とテンポ

ショートフィルムでは、編集の技術が特に重要です。無駄なシーンを省き、物語のテンポを維持するために、緻密な編集が必要です。効果的なカットやシーンの切り替えにより、観客の関心を引き続け、感情の流れを途切れさせないようにします。また、音楽やサウンドエフェクトも編集の一部として、物語の盛り上がりや感情の変化を強調する役割を果たします。

ショートフィルムの影響力

映画祭での評価

ショートフィルムは、数多くの映画祭で取り上げられ、高い評価を受けています。カンヌ国際映画祭、ベルリン国際映画祭、サンダンス映画祭など、世界的な映画祭にはショートフィルム部門があり、優れた作品が選ばれています。これらの映画祭での受賞は、映画制作者にとってキャリアの大きなステップとなります。

新人映画制作者の登竜門

ショートフィルムは、新人映画制作者にとって登竜門となります。短い時間で自分の才能を証明することができ、次のプロジェクトや資金調達の機会を得るための重要なステップです。多くの著名な映画監督が、ショートフィルムからキャリアをスタートさせており、その成功例は数多く存在します。

ソーシャルメディアとバイラル性

ショートフィルムは、その短さとインパクトの強さから、ソーシャルメディアでの共有が容易です。バイラル性が高いため、瞬く間に多くの人々に視聴される可能性があります。これにより、映画制作者は幅広いオーディエンスにリーチし、自分の作品やメッセージを広めることができます。

ショートフィルムの多様性

ジャンルとスタイルの豊富さ

ショートフィルムは、その短さゆえに、さまざまなジャンルやスタイルを試すことができる柔軟性があります。ホラー、コメディ、ドラマ、SF、アニメーションなど、ジャンルを問わず、自由な表現が可能です。例えば、短いホラー映画は限られた時間で強烈な恐怖を与えることができ、コメディ短編は素早く笑いを誘うことができます。さらに、実験的なスタイルやビジュアルアートの要素を取り入れることで、従来の映画では難しい斬新な表現を試みることもできます。このように、ショートフィルムは多様なクリエイティブの可能性を探求するための理想的なプラットフォームです。

国際的な視野と文化交流

ショートフィルムは国際的な視野を持ち、文化交流を促進するための重要なツールとなります。異なる文化や背景を持つ制作者が、それぞれの視点から物語を語ることで、観客は多様な文化や価値観に触れることができます。国際的な映画祭では、世界中のショートフィルムが上映され、異なる文化圏の物語や問題意識を共有する場が提供されます。これにより、観客は自分の文化を超えて新しい視点を得ることができ、グローバルな理解と共感が深まります。

ショートフィルムの教育的価値

映画制作の教育ツールとして

ショートフィルムは、映画制作の教育ツールとして非常に有用です。映画学校やワークショップでは、学生が実践的なスキルを学ぶためにショートフィルムの制作が奨励されています。脚本の書き方、演出、撮影、編集など、映画制作の全プロセスを短期間で経験することができるため、学習効率が高いです。さらに、完成したショートフィルムはポートフォリオとしても活用でき、学生の将来のキャリアにおいて重要な役割を果たします。

社会問題の教育と啓発

ショートフィルムは、社会問題の教育と啓発にも効果的です。短い時間で強いメッセージを伝える能力は、環境問題、人権、貧困、差別などの社会問題を取り上げる際に非常に有用です。学校やコミュニティでの上映会を通じて、これらの問題についての認識を高め、議論を促進することができます。ショートフィルムは、視覚的なインパクトと感情的な訴求力を持ち合わせているため、観客に強い印象を与え、行動変容を促すことができます。

結論

ショートフィルムは、数分という限られた時間の中で、深い感動と強いメッセージを伝える力を持っています。創造力と技術が試されるこの形式は、映画制作者にとっても視聴者にとっても特別な体験を提供します。強いコンセプト、シンプルなストーリー、インパクトのあるオープニング、キャラクターの深み、効果的な編集とテンポがショートフィルムの成功の鍵です。映画祭での評価やソーシャルメディアでのバイラル性を活かして、ショートフィルムは今後も多くの人々に感動を与え続けるでしょう。

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スタジオジブリの創設と初期の成功

宮崎駿と高畑勲のビジョン

スタジオジブリは、宮崎駿と高畑勲という二人の天才アニメーターによって設立されました。彼らは共にアニメーションの可能性を広げ、子供から大人まで楽しめる深い物語を作り上げることを目指していました。彼らのビジョンは、単なる娯楽ではなく、人々の心に残る作品を作ることでした。

『風の谷のナウシカ』からのスタート

スタジオジブリの最初の大きな成功は、1984年に公開された『風の谷のナウシカ』です。この作品は、環境問題や人間のエゴイズムといったテーマを描き、深い感動を呼び起こしました。『風の谷のナウシカ』は、スタジオジブリの哲学とスタイルを確立する上で重要な作品となり、その後の作品に大きな影響を与えました。

代表作とその魔法

『となりのトトロ』

『となりのトトロ』は、スタジオジブリを世界的に有名にした作品の一つです。この映画は、田舎の風景とファンタジーの要素を巧みに融合させ、家族愛や自然との共生をテーマにしています。特に、トトロというキャラクターは、子供たちにとって夢と冒険の象徴となり、世界中で愛されています。

『千と千尋の神隠し』

『千と千尋の神隠し』は、2001年に公開され、スタジオジブリの最高傑作の一つとされています。この映画は、現代社会の問題を背景にしつつ、少女の成長物語を描いています。ユニークなキャラクターと美しいアニメーションが特徴で、アカデミー賞をはじめとする数々の賞を受賞しました。この作品は、ジブリのアニメーション技術の高さと物語の深さを示す例です。

『もののけ姫』

『もののけ姫』は、自然と人間の対立を描いた作品であり、その壮大なスケールと力強いメッセージで多くの観客を魅了しました。この映画は、自然保護の重要性を訴えると同時に、人間の欲望や葛藤をリアルに描き出しています。スタジオジブリのアニメーションは、単なるエンターテインメントを超えた、深い思想と感情を伝える媒体として機能しています。

スタジオジブリの影響と遺産

世界への影響

スタジオジブリの作品は、日本国内だけでなく、世界中で高く評価されています。ジブリの映画は、多くの国で翻訳され、さまざまな文化圏で愛されています。その普遍的なテーマと美しいアニメーションは、国境を越えて多くの人々に感動を与えています。

アニメーション業界への貢献

スタジオジブリは、アニメーション業界においても大きな影響を与えました。彼らの高品質なアニメーションと独自のストーリーテリングは、多くのアニメーターや映画制作者にインスピレーションを与え続けています。また、ジブリの成功は、日本のアニメーションが世界で認められる一因ともなりました。

継承と未来

宮崎駿や高畑勲が引退した後も、スタジオジブリはその遺産を引き継ぎ、新しい世代のアニメーターが活躍しています。彼らは、ジブリの伝統を尊重しながらも、新しいアイデアや技術を取り入れ、次世代の観客に向けた作品を制作しています。これにより、スタジオジブリの魔法はこれからも続いていくでしょう。

スタジオジブリの魅力の源泉

ビジュアルとディテール

スタジオジブリの作品は、その美しいビジュアルと細部にまでこだわった描写で知られています。背景美術やキャラクターデザインにおける細かなディテールは、観客を魅了し、物語の世界に引き込む力があります。ジブリのアニメーションは、手描きの温かみとデジタル技術の融合により、独自のスタイルを確立しています。

音楽とサウンドトラック

ジブリ作品の音楽も、映画の魅力を高める重要な要素です。久石譲をはじめとする作曲家たちが手掛けたサウンドトラックは、物語の感動をさらに深め、観客の心に残るメロディーを提供しています。音楽と映像の調和が、ジブリ作品の魔法を完成させる重要な要素です。

普遍的なテーマ

スタジオジブリの作品は、普遍的なテーマを扱っているため、年代や文化を超えて共感を呼びます。家族愛、友情、成長、環境問題など、誰もが関心を持つテーマを深く掘り下げることで、多くの観客に感動を与えています。

ジブリ美術館とその役割

ジブリ美術館の設立と目的

東京都三鷹市にあるジブリ美術館は、スタジオジブリの世界観を体験できる特別な場所です。2001年に開館したこの美術館は、宮崎駿自身がデザインに関与し、彼のビジョンを忠実に再現しています。美術館の設立目的は、訪れる人々にジブリ作品の制作過程やアニメーションの魅力を伝えることです。展示内容は、ジブリの名作に関する展示や、アニメーションの歴史、技術に関する情報を提供しています。

体験型展示と教育的価値

ジブリ美術館は、単なる展示を超えた体験型の空間を提供しています。訪問者は、映画の舞台を再現した展示を歩き回りながら、ジブリ作品の魔法を肌で感じることができます。また、アニメーション制作のワークショップや特別上映が行われており、子供から大人までが楽しめる教育的な価値もあります。これにより、アニメーションの魅力や制作の奥深さを学ぶことができ、ジブリ作品への理解と愛着が深まります。

ジブリの環境への取り組み

環境保護と持続可能性

スタジオジブリは、その作品を通じて自然保護と持続可能性のメッセージを発信してきました。『もののけ姫』や『風の谷のナウシカ』といった作品は、人間と自然の共生をテーマにしており、環境問題への意識を高める内容となっています。ジブリ作品は、視聴者に環境保護の重要性を訴えかけ、持続可能な社会の実現に向けた行動を促しています。

スタジオ自体のエコフレンドリーな取り組み

スタジオジブリは、制作現場においても環境に配慮した取り組みを行っています。例えば、エネルギー効率の高い設備の導入や、リサイクルの徹底、紙の使用量の削減など、エコフレンドリーな制作環境を整えています。また、ジブリ美術館も環境に配慮した設計がされており、自然との調和を大切にしています。これらの取り組みは、企業としての責任を果たしつつ、次世代に向けた持続可能な未来を目指すものです。

結論

スタジオジブリの遺産は、アニメーションの枠を超えた影響力を持っています。彼らの作品は、美しいビジュアルと深い物語性を持ち、観客に強い印象を与え続けています。宮崎駿や高畑勲のビジョンを継承しつつ、新しい世代のアニメーターがその伝統を引き継ぎ、未来に向けてスタジオジブリの魔法を続けていくことを期待しています。スタジオジブリの作品は、これからも多くの人々に感動とインスピレーションを与え続けるでしょう。

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ルーレットに表示されるすべての数字の合計が666になることから、ルーレットはしばしば「観覧車」と呼ばれる。ゲーム中、プレイヤーはチップを使って遊技盤に自分の賭け金を置く。

映画のリストに移る前に、まず、ほとんどのカジノで人気のあるこの娯楽の由来をお話しし、ルーレットのルールについて思い出していただきます。

ルーレットについて知っていること

ゲームの原点

ルーレットは、フランス語で「車輪」を意味するルーレットが語源です。今日、私たちはこのゲームの起源についていくつかのバージョンを知っていますが、どれも正式には確認されていません。そして、ルーレットについて最初に言及されたのは18世紀にさかのぼります。

ルーレットはどのように誕生したのですか？

• 最初のバージョンです。ルーレットの歴史は古代中国に始まり、人々は「魔方陣」というゲームを愛した。それを見たフランスの修道士が、車輪に賭けることにしたのです。ゲームには37個のマスがあり、その中には小さな動物の像が置かれていた。この数字は、現在のルーレットにも残っている。しかし、このゲームの起源がこのバージョンである可能性はまだ低い。この娯楽の最も古いフランス版では、1〜38まで賭けることができたからだ。
• 第2弾。ルーレットの発明は、17世紀フランスの哲学者ブレーズ・パスカルに負うことができる。彼は永久機関を作り、車輪のような装置で多くの実験を行った。そして、面白いことに、この車輪にルーレットという名前をつけたのはパスカルである。数学者は、自分の実験をギャンブルに使うつもりは毛頭なかった。しかし、一部の人にとっては、良いエンターテインメントに見えたようだ。このように、ルーレットはパリの即席カジノで初めてプレイされたという言い伝えがある。
• 第3のバージョン。また、ルーレットがパリに登場したのは1765年という言い伝えもある。それを利用した遊びが「ホカ」である。フランスだけでなく、ドイツ、オーストリア、ハンガリーなどのギャンブル場でも人気を博した。1860年にモナコで最初のカジノがオープンしたとき、ルーレットが最大の成功を収めた。その後、ゲームは瞬く間に世界中に広まり、特にアメリカでは娯楽のルールが若干変更された。具体的には、ルーレットをアメリカ版とヨーロッパ版に分けるようになったのです。どちらのバージョンも、最も人気のあるカジノゲームの一つとして、愛され続けています。

ゲームのルール

ルーレット盤は、リールとプレイヤーがベットを置くプレイフィールドの2つの部分から構成されています。各プレイヤーは、テーブルの特定の区域に対応する同じ色のチップのみを使ってプレイすることができます。

ゲームのルールに従って、クルーピアが回転するホイールにボールを投げ入れる。そして、賭けたものを発表し、ボールがどの番号、どの色のセクタに落ちるかを見るのです。その時、幸運な当選者の名前が明らかになるのです。

テーブルを離れるとき、プレイヤーはカラーチップを最小ベット額で現金に交換することができます。

ルーレットが重要な役割を果たす印象的な映画3作品

ここでは、ルーレットのシーンが特に盛り上がる作品を紹介します。ポップコーンを焼いて、友達を誘って、家で映画鑑賞会を開きましょう。

“カサブランカ” 1942年

第二次世界大戦中のカサブランカの街を舞台にした、マイケル・カーティス監督によるアメリカの恋愛ドラマ。

この映画の中で最も有名なシーンのひとつが、ルーレットにまつわるものだ。リックの経営するカフェで再生されます。悪徳捜査官から逃れ、アメリカへ渡るために、2人の客はルーレットに賭けることですべてを賭ける。しかし、彼らが幸運に恵まれるかどうかは、カサブランカで見ることになる。

“クルーピアー “1998年

マイク・ホジス監督によるイギリスのネオ・ノワール映画です。この映画では、俳優のクライヴ・オーウェンが、カジノでクルーピアを務めるアマチュア作家を演じています。彼はギャンブルビジネスの盛衰を目の当たりにし、その結果、本のために多くの物語を収集することになる。

ルーレットは、映画の中で数多く見られるカジノのエンターテイメントの一つである。しかし、このゲームのあるシーンは特に魅力的です。

“ダイヤモンドは永遠に” 1971年

イギリスのスーパーエージェント、ジェームズ・ボンドを描いた7作目。この映画では、ショーン・コネリーがタイトルロールを演じており、カルト映画『ダイヤモンド・フォーエバー』の人気に拍車をかけています。

ストーリーは、ジェームズ・ボンドがカジノを訪れ、ルーレットとクレープで遊ぶというものです。007はいつものように運試しをし、観客に注意深くゲームを追うことを強要します。

カジノやスクリーンに映し出されるルーレットの魅力

ギャンブル産業は、その創設以来、驚異的な成長を遂げてきました。10億ドル規模のこの業界には、毎日多額の賞金を手にするプレーヤーが集まっています。

そして、ギャンブル映画は無数の形態で存在する。教育的であり、娯楽的な映画でもある。

ギャンブルに興味がある人は、いくつかのドキュメンタリーを見て、この業界とその最も著名な代表者について学ぶとよいでしょう。

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ギャンブルは、優れた文学作品や優れた映画脚本の中心的存在であることが多い。

プーシキンの『スペードの女王』におけるギャンブル依存症、神秘主義、占いから、『海洋』三部作のありふれた犯罪性まで、ギャンブルは単なる記号でありながら、物語の展開に重要な役割を果たすことがあるのである。

このような作品によって、ギャンブル業界に対して歪んだ見方をする人も少なくありません。

しかし、映画の世界にも、カジノやギャンブルの隠れた側面や、多くの人の人生を変えたギャンブルの実話を描いた価値ある例がたくさんあるのです。

ギャンブラー (1974)

スポーツ賭博に熱中する文学教師アクセル・フリードを描いた、ギャンブルを題材にしたカルトドラマ。

ドストエフスキーの小説『賭博師』からヒントを得たフリードは、文字通りギャンブルで儲けたいという欲望に取り付かれ、やがて全財産を失ってしまうのである。

最後の金を手に入れた元教師は、仕返しをしようとラスベガスへ向かうが、そこにはさらなる失望と運命の一撃が待っていた。

偶然の出来事が重なり、それでも借金を取り戻したフリードだが、この冒険が彼の人生を大きく変えることになる。

2014年にはマーク・ウォールバーグ主演のオリジナル作品のリメイク版が公開された。

ビッグゲーム（2017年）

高額な賞金をかけた違法ポーカー大会の運営で告発された実業家モリー・ブルームの自伝を基にした、より現代的なドラマです。

大怪我でスポーツスキーの道を絶たれたブルームは、ひょんなことからロサンゼルスの地下カジノで働くことになる。

ヒロインはギャンブルの複雑な仕組みをすぐにマスターし、経営者たちとスキャンダルを起こし、やがて自分のカジノをオープンさせる。

その結果、マフィアと対立し、暴力を受け、全財産を没収される。とはいえ、ブルームは敵の名前を明かさず、法廷で有罪を主張する。

ラッキーマン (2007)

この映画では、ギャンブルのメインゲームと言っても過言ではないポーカーを通して、家族関係の愛と難しさが描かれているのです。

才能あるギャンブラー、ハック・チーバーは権威あるポーカートーナメントに出場したいのだが、そのためにはどうしようもないほどの大金を集めなくてはならない。

チーバーは最愛の人から盗むことを決意し、借金まみれになりながらもトーナメントに臨むが、ファイナルテーブルでは父親との厳しい勝負が待っていた。

ぎくしゃくした家族関係は最終局面で決着し、チーバーは思いがけない決断を下す。

トゥエンティワン (2007)

ケビン・スペイシー主演の最も有名な映画とは程遠い、マサチューセッツ工科大学の学生数人と教授がカジノを打ち負かそうとする物語である。

元カードプレイヤーで、現在は高等数学と確率論の教授であるミッキー・ロサは、ラスベガス最大のカジノを倒すために優秀な学生を探し、ブラックジャックのテーブルで何度も何度も大儲けしている。

最初はすべてが計画通りに進んでいたチームだったが、やがて彼らの間で深刻なスキャンダルが勃発し、選手たちは互いにハメを外すようになる。

筋書きの重要人物の一人は、主人公を昔から知っていて狙っているカジノの監視員であることが判明する。

ブレーキ（2003年）

この作品では、主人公はカジノに対抗したのではなく、カジノのためにプレーしたのです。

英語版の原題（Cooler）は、カジノで働く不運な男が、その存在だけで他のプレイヤーを負かすことに言及したものである。

ラスベガスのカジノを経営するマフィアの一族に大金を借りていた「クーラー」バーニー・ルッツは、徐々に敗者としての自覚を持ち始め、カジノから足を洗おうとする。

20世紀末のギャンブルビジネスの知られざる側面を描いた、恋愛映画とコメディの要素を併せ持つ犯罪ドラマ。

クルーピアー (1998年)

カジノの裏側を描いた作品で、主人公がクルーピアの仕事を得て、ギャンブルの裏の楽しさを知るというもの。

作家としてのキャリアを続けるクルーピアのジャック・マンフレッドは、他人の負けを観察し、カジノのルールをすべて破ってしまう。

一人のプレイヤーを助けたいマンフレッドは、カジノへの強盗を決行するが、寸前で阻止される。

すべてを失ったクルーピアーは、その話を本にまとめて出版し、カジノで働き続ける。やがてジャックは、自分の仕事のキャリアが、父親が考えた巨大な犯罪計画の一部であることを知ることになる。

Vaバンク（2013年）

オンラインカジノとオンラインポーカーをプロットの先頭に据えた、現代的な映画です。

ジャスティン・ティンバーレイク演じる学生リッチー・ファーストは、プリンストン大学での学費を自力で工面しなければならず、そのためにオンラインポーカーゲームに全財産を賭けることを決意します。

負けたファーストは、オンラインカジノの運営と、負けたライバルのゲーム統計に異変があることに気がつく。

学生は、カジノのオーナー、イワン・ブロックを探すことにした。

ミシシッピ・ウォーク（2015年）

ギャンブル中毒の不動産屋が偶然出会った若いギャンブラーに、再び賭けで大金を調達する希望を抱かせる。

すべてを投げ出してアメリカ南部を巡る旅に出た二人だったが、ギャンブルへのあまりの情熱と中毒性から、二人の間には喧嘩が絶えず、借金は膨らむばかり。

主人公は、後輩の成功を願いながら、すべてを失い、敵前逃亡を余儀なくされる。

不運が続いたプレイヤーたちは、借金を清算して家族を助けるために、最後に勝った金額を賭けることを決意する。そして、この計画は失敗寸前であることが証明された。

オーシャンズトリロジー（2001～2007年）

もちろん、カジノ映画のセレクションでは、フランク・シナトラ主演の1960年の同名映画のリメイク版3本は外せません。

ハリウッドの大スターが演じる犯罪者たちが集まって、ラスベガス最大のカジノを襲うという筋書きである。

綿密に練られた計画はいつも最初の数分から吹っ飛んでしまい、主人公たちは即興で状況を打開する方法を考えなければならない。

多額の資金が投入され、FBI捜査官や各プレイヤーを常にチェックし、互いにハメようとする。

カジノ・ロワイヤル (2006)

さて、多くの映画ファンにとって思い浮かぶのは、おそらくメインのカジノ映画ではないだろうか。

奇妙なことに、この絵のプロットはギャンブルというより、イギリスのシークレットサービスが犯罪者と戦うというものだ。

同じ頃、モンテネグロのカジノロワイヤルで開催されたポーカートーナメントでは、別のジェームズ・ボンド物語の重要な出来事が展開されました。

このゲームの主な賞品はお金よりも、勝てばボンドが主敵のル・シッフルにMI6に協力させることです。しかし、計画通りにはいかず、ル・シッフルのハッタリでボンドは負けてしまい、その後はアクション映画のような展開が待っています。

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私は試合の後半まで韓国映画を見ませんでした。バートンホームズは、1901年に携帯電話で撮ったビデオを使って、韓国に新しいテクノロジーを初めて紹介しました。しかし、御殿王に見せてからわずか2年後、ソウル最大の商店街の1つである東大門市場で商業上映が始まった。

1909年以前、韓国には映画館がありませんでした。これは、ほとんどの韓国人が、ジョルジュメリエスによる有名な月への旅を含む、海外からの最初の映画を見たことを意味します。西洋映画は世紀の変わり目に人気がありました。

1919年、パク・サンピルの映画「フェア・リベンジ」は韓国初の映画となり、歴史を築きました。最初の韓国映画もそれほど洗練されていませんでした。彼らは背景を映画に記録することしかできませんでしたが、俳優は演劇のように観客の前で演じました。

映画は好評だったので、監督はその方向性を続けました。たとえば1920年には、韓国で最初の「長編映画」「ちき」が公開されました。

最初の韓国映画は1923年に公開され、「オーサントムーン」と呼ばれる無声映画です。初期の映画は厳しい労働条件に制約されていましたが、当時の映画の品質は高かったです。

アリランは有名な映画監督です。彼は1926年に立ち上げ、アリラン（1926）を作りました。これは、日本の植民地支配に関する活動家のテーマに関連した初期の映画の1つでした。彼はまた、トランプ（1945）とトワイライトストリート（1955）を作りました。

監督の自由は長くは続かず、30代前半までに、韓国では政府の検閲が増加し、映画の数が減少しました。 1931年に、彼は6本の映画をリリースしましたが、1932年には4本、1934年には2本しか公開しませんでした。

韓国の最初のサウンドフィルムであるチョン・ヒャンの物語は、1935年に公開されました。劇場で母国語を聞くのは初めてだったので、これは韓国の視聴者を喜ばせました。

1945年に戦争が終わった後、韓国は映画の実験に失敗しました。これは、1950年に内戦が勃発し、その間に3年間の蓄積された資源が破壊されたためです。最も深刻な結果は、韓国が北朝鮮から分離したことであり、私は北朝鮮について話します。

終戦後、韓国の映画産業は多くの自由を与えられ、その結果、生産が増加した。イ・シンマン大統領は以前、韓国の映画スタジオを税金から免除することを決定し、韓国映画の黄金時代を開始しました。それにもかかわらず、国内映画は1950年以来4倍強しか増加しておらず、年間111本の映画が制作されています。

シネマトグラフィーのスキルが向上するにつれて、映画のテーマやジャンルも増えています。初期の金綺泳監督は、男性を支配する強い女性キャラクターに重点を置いて、彼の絵画でこの主題に取り組んだ。このテーマに関する彼の最も有名な映画は、1960年のメイドでした-彼らのマスターを誘惑するメイドについてのスリラー。

1960年代のもう1つの物議を醸す映画は、エイムレスブレットです。その中で、ユ・ヒョンモク監督は戦後の韓国の現実を強調しています。飢餓、荒廃など。この映画は、厄介なトピックが明確に描写されているため、韓国の映画館では上映されませんでした。しかし、西洋の聴衆にとって、流れ弾はサンフランシスコインターナショナルで大成功を収めました。

しかし、韓国は1960年代初頭に軍事クーデターを経験したため、韓国映画の開発はスムーズではありませんでした。 ５カ年の経済発展計画で国の経済を絶望的なペースで成長させ、外国投資を主導してきた朴正煕（パク・ジョンヒ）大統領が大統領に就任した。彼の下で、映画館は困難を経験し始めました。

朴正煕は、韓国映画の国際的な成功を促進すると同時に、その数を制限するために、外国映画の割り当てを設定しました。彼らは年間71を超えることができず、州の検閲チェックを受けました。

映画産業を発展させるために、1973年に韓国映画製作公社が設立され、政府を積極的に示した映画だけを宣伝した。この業界の下で、優れたジャンルの映画が地下に潜り込み、脱出しようとしました。これは、学生が作成した独立した映画です。

検閲は1980年代後半にようやく解除されましたが、しばらく時間がかかりました。 1988年から1992年まで、すべての映画の半分だけが検閲を通過しました。テストはまだ大変でしたが、合格するのはかつてないほど簡単でした。

1988年、韓国での西部劇映画の台頭により、外国の映画配給会社が解任されました。その結果、韓国の映画スタジオは大幅な収益の減少を経験していた。 1993年;全映画配給の16％だけが韓国人によって所有されていました。そのような恐ろしい数は政府を怖がらせました、そして彼らは今それ自身の映画レンタルのための新しい割り当てを導入しました-各映画館は示さなければなりません.

韓国の映画は、映画製作者と新しい政策のおかげで、今では高品質に関連付けられています。

KOFICは韓国映画を支援する非営利団体です。彼らは資金調達、海外映画祭での宣伝、竹山映画祭や全州国際映画祭などのユニークなイベントの開催を支援しています。彼らの関与により、韓国に存在するアートハウスやオーターシネマを開発することができます。

これは、オープン性とインクルージョンの非常に良い例であり、長期的には有益である可能性があります。作家が作品をアップロードするために、韓国でオープンな電子データベースが作成されました。誰でもコンテンツを販売でき、毎月月末に4人の優秀な作家に3か月のトレーニングが提供されるため、将来的にはより質の高いコンテンツを作成できます。

評議会は主にAuturの映画をサポートしていますが、幅広い視聴者向けの映画は助成金なしでは残っていません。韓国の金融産業グループである財閥は、それに多額の投資を行ってきました。映画の公開をサポートした最初の会社は1992年のサムスンでした。彼らの財政的支援のおかげで、イ・ジョンジェ主演のコメディ「ウェディングストーリー」が作成されました。

コラの流通業者は当初、韓国画を海外に近隣諸国に輸出することに焦点を当てていました。韓国の恋愛映画はアジアで人気がありましたが、ヨーロッパやアメリカではほとんど知られていませんでした。

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今年のカンヌ映画祭は、主要な映画監督（ペドロアルモドバルを除く）からの新作が流入する、数年で最も競争の激しい映画祭です。今年はハリウッド映画はどれも上映されませんでした。

これにより、アートを作成するための従来のガイドラインシステムが完全に変わりました。 「カンヌプログラム」は、自尊心に比べて驚くほど話題から外れているように見えましたが、それでも重要な作品でした。これらは、フランス人のブルーノ・デュモンが示した「人間性」と、リュックとジャン・ピエール・ダルデンヌの作品に見られる「ロゼット」の一部です。そのうちの1人は審査員のグランプリを受賞し、もう1人は完全にセンセーショナルでパルムドールを獲得しました。これらの写真間のすべての違いは、リアリズムの新しい尺度によって要約されています。最新のヨーロッパ映画では、接頭辞「hyper」または「social」（この場合、特にフェミニズムと同盟）で表示されます。

ロゼッタ（ソ連を終わらせるのを手伝った監督についての映画）が授与されたとき、ホールは笛に勇気づけられて拍手喝采を浴びました。この映画はハンドヘルドカメラを使用して撮影されたもので、デンマークのドグマ映画を彷彿とさせます。それは、そのスタイリスト的に大胆な同胞よりも、そのヒューマニスティックな側面（社会主義リアリズム）で賞賛されてきました。カンヌ映画祭は. フェスティバルの最高の脚本をユーリ・アラボフに授与することは、この急進的な文脈に当てはまります。ジル・ジェイコブは、彼女が芸術のロマンチックな概念を拒否し、暴力を受け入れる社会を支持していることを彼女の選択で示唆しているようです。

ジェイコブの選択とクローネンバーグの決定は、20世紀の最後の数年間の映画の方向性に大きな影響を与えました。より良い用語がないため、これは「最後のリアリズム」として知られています。イタリアのネオリアリズムとフランスの「ニューウェーブ」が方向性、学校、マニフェストの類似点を明らかにした後で初めて。アニメーション機能のカテゴリは、特に2001年にロゼッタが勝利した後、カンヌで見事に紹介されました。これは、その時代の始まりとしてしばしば指摘されています。翌年にはヨーロッパ映画からの多くの迅速な更新が見られ、リンチ、グリーンウェイ、アルモドバルなどの高品質のカルトポストモダンアートシネマはすぐに過去のものになりました。私はまだハリウッドを信じています

ポストモダンの仮想体験は、1990年代後半にそのコースを実行したようです。ロッセリーニは「無防備都市」と「ドイツ零年」です。これは、映画が上映されたハリウッドの超現実に限定されていないことを私たちに思い出させます、そして時々私たちは私たちのルーツに戻ってより有機的なものを見つける必要があると感じます

「究極のリアリズムとは？」これはイラン映画の西洋のレーベルにすぎないので、私はこの用語に疑問を投げかけます。しかし、ヨーロッパの映画が世界のトレンドを形作るものであると主張することができます。映画がヨーロッパの文化や伝説に持つ深いルーツからわかるように。

湾岸戦争で見られるように、仮想戦争も予測できない可能性があります。状況をさらに不安定にすることは別として、他の世界はとにかく理解しやすいので、ヨーロッパの優先順位に変化があるかもしれません。ヨーロッパは西側の物理的な代表であり、ロシアとのつながりが現実との接触を失う方向へと導いてきました。

映画業界はこれらのシグナルに対応しました。ハリウッドの反応：リアリティの問題に取り組んだトゥルーマンショーやテールワグザドッグのような映画。そこでは、私たちは実際に現実の世界とは何の関係もありません。自分たちのために作成したシミュレーションだけです。しかし、これは完全に真実ではありません。なぜなら、私たちはまだ自分の目で「本当の泥棒」を見ることができるからです。

同じアイデアの最近の副次的な例は、ポール・バーホーベンの映画「透明人間」です。アイデアの起源についてコメントし、Verhoevenは体育館で古代ギリシャ語を学び、プラトンを原文で読んだことを思い出します。彼の本の1つで、古代の哲学者は、目に見えない男の秘密を学ぶと人々に何が起こるかについて論じています。アメリカンシネマは、プラトンの「現実を妨げる影」の概念という形で、プラトンの洞窟の影響を受けてきました。もっとばかげたハリウッド映画は、プラトンの複雑な哲学のエコーです。

ヨーロッパには重要な映画の過去はありませんが、歴史に対する潜在意識も強くなっています。これは、その暗い過去を探索するための媒体の使用によって示されています。スピルバーグはホロコーストについての愛情のこもった映画を作っただけでなく、イタリアのベニーニは彼の国の歴史の残忍な現実を示すいくつかを作りました。この形式の映画製作は、以前のものからの逸脱です

ヨーロッパの映画もプラトンの洞窟から抜け出し、物理的な素材の世界に突入し始めています。

ヨーロッパでは、芸術運動は非常にモダニストであるという評判がありました。このため、一部の芸術家は、現実に戻る方法はよりモダニズム的なアプローチによるものであると信じています。

そして、それは単なる恣意的な意味ではありません。仕事の世界と仕事の世界（「人材」が率いる一連のフランス映画）にも新しい発見があります。または、親密で性的な関係の領域（ロマンスのようなフランスのフェミニスト映画の別のシリーズ）。

今日、ポーランドとチェコ共和国がヨーロッパに積極的に統合しているとき、これらの国からの映画はロシアのものよりも西洋の映画祭でさらにまれです。これは、彼らが西洋の聴衆への露出を欠いているためです。ポーランドの映画監督が古典的な映画祭で独立した存在として残っているため、東西の統合がまだ達成されていないことは明らかです。

映画産業における西と東の反対は、中国、日本、韓国、さらにはイランの台頭に限定されていません。この文化的なジャンプは、さまざまな地域の芸術に関する一般的な反対でもあります。しかし、この観点を注意深く見ると、それは無知に陥るだけであり、分析のために新しいものや興味深いものを実際に生み出すことはありません。

ヨーロッパ中心主義の視点では、この文化地理モデルの中心がどこにあるかを簡単に確認できます。しかし、主な違いとして南北に再び焦点を合わせると、明確な中心地理を確立することが難しくなります。たとえば、イタリアでは、「ナポリの南はすべてチュニジアです」と彼らは言います。シチリア島の文化センターは主に北部にあります

しかし、例えば、過去の複雑な歴史を持つドイツは、どの都市が中心であるかを決めるのに苦労しています。 1871年に最初の民主共和国の1つとして知られており、ベルリンが再会した後、1989年と1990年に劇的な変化を遂げました。これはまた、西と東の間で文化的態度を分割しました。

「ニューウェーブ」がフランス、イタリア、イギリスの映画と類似していることについては多くのことを話すことができますが、「ドグマ」が作成された理由も理解する必要があります。実際、映画館では、自分たちのジャンルを浄化するために浄化プロセスが必要になる場合があります。そして、私たちは何か新しいものを紹介する時が来たと感じました：の慣習に反する何か. 確かに、「教義」の非常に具体的な原則とこの法則の間には関連性があります。それは自分を制限することです。さまざまなテクニックを使用することを禁じる自分自身を制限し、制限によって提供されるさまざまな機会を利用することさえできます。

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リュミエール兄弟による発明から数ヵ月後、リオデジャネイロで映画展が開催された。1898年には、イタリア人のアルフォンソ・セグレトがヨーロッパからの帰途、ブレジル号からグアナバラ湾を撮影した可能性があるが、フィルムのコピーが現存していないため、その時の信憑性を疑問視する研究者もいる。その後、弟のパショアル・セグレトとドキュメンタリーを制作するようになる。

白黒の無声映画の製作コストが低かったこの時代のブラジル映画は、映画製作が商業ではなく趣味であった愛好家たちによる作品がほとんどであった。

1970年代、1980年代 この時期の映画は、国営の機関、特にエンブラフィルムによって制作された。その役割は、やや物議をかもすものと受け止められていた。この映画会社は、その選考基準、官僚主義、えこひいきなどが疑問視され、政府が芸術産業を支配しているようなものだと批判された。一方、この時期の作品の多くは、この映画会社が中心となって制作された。

アルナルド・ジャボールがネルソン・ロドリゲスの物語を映画化した『ヌード・トダ・セラ・キャスティガダ』（1973）、カカ・ディーゲス『さよならブラジル』（1979）、ヘクトール・バベンコ『ピソテ』（1981）、ネルソン・ペレイラ・ド・サントス『メモリアス・ド・カルセレ』（1984）など様々で忘れ難い映画作品が生み出されました。ブラジル映画史上、最も成功した作品のひとつが、ジョルジュ・アマドの作品をブルーノ・バレットが1976年に映画化した『ドナ・フロールとふたりの夫』である。

90年代前半、コロール政権下で公的資金が大幅に削減され、その結果、映画製作は事実上停止し、1989年にはエンブラフィルムが閉鎖された。しかし、90年代半ばは、FHC新政権による誘致法の導入などにより、映画製作が新たに「爆発」した時期であった。1995年に公開されたカルロタ・ホアキン監督のコメディ『ブラジルの王女』は、国営映画産業の再興を目撃する最初の作品となった。それ以来、いくつかのブラジル映画がアカデミー賞にノミネートされている（『O Quatrilho』、『Central Station』、『City of God』）。注目された作品に『Carandiru』『O Homem Que Copiava』『Madame Sata』『Behind the Sun (Abril Despedacado)』『Olga』『Dois Filhos de Francisco』などがある。

ブラジル映画では今でもよく見られることだが、社会的・政治的批判に特別な注意を払うのは、シネマ・ノーヴォの強い影響を反映している特徴である。貧困、貧民街、干ばつ、飢餓は、想像上の疲弊を批判する言葉として「cosmetica da fome」という言葉が作られるほど、よくあるテーマです。

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ラテンアメリカで最初に映画が製作されたのはアルゼンチンとキューバで（1897年）、その後ブラジル、メキシコ、ウルグアイで（1898年）製作された。他の国々では、映画製作はずっと後になってから行われました。ベネズエラは1909年に、ペルーは1911年に映画製作を開始した。最初の映画はたいてい短いドキュメンタリーで、劇場で上映され、後に特別な映画館がオープンした。ラテンアメリカの無声映画時代（30年代初頭まで）は、古典文学やドラマツルギーのプロットを使ったメロドラマ、コメディ、ファース、風俗スケッチなどが特徴的です。映画史家は、20～30年代を評価し、ブラジル人のU. MauroとM. Peixoto、キューバ人のE. Diaz QuesadaとR. Peon、メキシコ人のM. Contreras Torresと E. Rosas、チリのP. シエンヌとJ・デラノ。

音響映画の出現は、ハリウッドの猛攻に耐えられなかったラテンアメリカ地域の多くの国々の映画館に深刻な危機をもたらした（「北米の映画術」を参照）。アメリカ企業はラテンアメリカに製品を送り込むだけでなく、ラテンアメリカの人気俳優を起用した映画のスペイン語版も制作した。ブラジルは自国の映画を保護するための法律を制定していたが、この危機は特にブラジル映画に深刻な影響を与えた。黒人のティアウ』（1943）、『強奪者』（1944）、『孤独な生活』（1945）を製作したブラジルのアトラウンティーダの活動も、この状況を変えることはできなかった。キューバでは長編映画の製作が激減した。ペルー、ウルグアイ、チリでは、映画産業はあまり発展しなかった。ハリウッドの進出に対して、映画産業がある程度対抗できたのは、メキシコだけであった。メキシコの映画作家にとって、30-40年代はソビエトの映画作家S.A.の作品が非常に重要であった。M・エイゼンシュテイン、G・V・アレクサンドロフ、E・K・ティッセは1931年から1932年にかけてメキシコで、古代アステカやマヤ、中世のスペイン人の侵略から20年代初頭の革命、そして現在に至るまでの1000年にわたるメキシコの文化発展の歴史を描いた映画『ロングリブ・メキシコ』を撮影しました。

30年代後半、メキシコ政府は国家的な映画製作の発展のためにいくつかの措置をとりました（産業の免税、映画配給への援助、国立映画銀行の設立）。40年代半ば、メキシコの映画産業は、E・フェルナンデス監督とG・フィゲロアの協力により、他のラテンアメリカのシネマトグラフの中で際立っていた。マリア・カンデラリア』『The Pearl』『Rio Escondido』『Maclovia』は国際映画祭で賞を獲得した。社会的、政治的スタンスはやや限定的であったものの、これらの芸術家の作品は、無知、偏見、残虐性を露呈し、社会的抗議を行う強力な手段であったと言えます。メキシコの俳優M・フェリックス、J・ネグレテ、P・アルメンダリス、D・デル・リオ、そして1978年に国民映画王の称号を得た喜劇俳優カンティンフラスなどが、この時代に名声を高めたのです。

アルゼンチンでは、平均より上に行った作品はほとんどありません。M・ソフィチ（『北風』）、L・ドゥマレ（『ガウチョ戦争』）のリアルな映画である。社会的、政治的な問題を扱う映画は検閲によって迫害されたため、30年代から40年代のラテンアメリカ映画の主なジャンルは、メロドラマ、コメディ、茶番劇、ミュージカル映画などにとどまった。あからさまに商業的な意味合いの強い作品が圧倒的に多かった。

1950年代には、連続娯楽作品の流れとして、社会派映画「悩める水の流れ」（原作は共産主義作家A・バレラの小説「暗い河」）を製作したアルゼンチン人H・デルカリル、L・トーレニルソン（「憎しみの日々」）、ブラジルで活躍したイタリア人A・カヴァルカンティ（「海の歌」）やメキシコ人B・アラズラック（「根っこ」）の映画が紹介されました。メキシコでは、スペイン人のブニュエルが活躍し、『忘れられた人』、『ナサリン』など、メキシコ時代の作品に出演している。- ブルジョア社会の冷笑と残酷さを糾弾した。

若い映画作家が始めた進歩的な意図は、しばしば実現されないことがあった。映画会社、企業、組合、スタジオ、パートナーシップは、現れると同時に突然姿を消した。外国映画の配給独占は、国産映画制作の発展にとって大きな障害となった。革命直後に行われた革命前のキューバの映画レパートリーの社会学的調査によると、上映された映画の55パーセントはアメリカのものであったという。西部劇、軍国主義映画、警察映画、ギャング映画、ホラー映画などがスクリーンに溢れかえっていた。1959年までにキューバには500の映画館があったが、そのうち180はアメリカのものであった。ハリウッドは毎年、この映画植民地から数百万ドルを吸い上げ、また巨大な背景として利用し、ブルジョア道徳をキューバ国民に押し付け、その生活様式を植え付けた。

しかし、このような状況下でも、ラテンアメリカの映画には民主的な方向性が生まれつつある。キューバでは、50年代初頭にアマチュア映画監督たちが「ヌエストロ・ティエンポ（私たちの時代）」という協会の映画部門を結成し、少ない資源で1955年にシエナガ・デ・サパタの炭鉱労働者を描いた短編ドキュメンタリー映画「エル・メガーノ」を撮影していたのである。アルゼンチン国立サンタフェ大学のドキュメンタリー映画学校の学生たちも、人々の真実を伝えることを目指した。F・ビリ監督の指導のもと、ドキュメンタリー映画『Tire diem！』を制作。(10センターボをくれ！）」と、貧しい子供たちが托鉢する様子を描いている。ブラジル人のN.ペレイラ・ドス・サントスの2作品、『リオ、40°』と『リオ、ノース・ゾーン』は、その社会的志向性から都市の階級的コントラストを明らかにし、この芸術現象の概念が映画界で使われ理論的に定式化される前から、「ニューシネマ」の先駆けであった。

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ナショナルシネマの出現をめぐる闘いにおいて、大きな役割を果たすのがクリエイティブ・コミュニティである。エクアドル撮影監督協会の設立には、現在65人が参加していますが、その中で最も活躍したのは、国立映画館U.エストレージャの館長でした。世論の圧力により、コロンビアに「映画開発基金」が設立された。ベネズエラでも同様の組織「ナショナル・シネマ・ファンド」が誕生している。

もし、民族の独立を願うあまり、民族ブルジョアジーやアメリカから弾圧やテロなどの反発を受けなければ、この成果ははるかに大きいものであったろう。多くの国で権力を握った反動勢力は、詩人、歌手、音楽家、ジャーナリスト、劇作家を弾圧している。映画芸術もまた、軍の十字砲火を浴び、その政治的有効性を認められたようなものである。

1964年のクーデター直後、『戦艦ポチョムキン』のコピーはすべて没収され、映画館、映画館、フィルムクラブでの上映が禁止された。1973年6月のクーデター後、ウルグアイの映画は事実上消滅してしまった。M・ハンドラーやV・アシュガーをはじめ、多くの映画人が国外退去を余儀なくされた。ボリビアのJ・サンジネス監督は、1970年代の大半を国外で活動し、「革命」（1963）、「コンドルの血」（1969）、「人民の勇気」（1971）、「主役の敵」（1974）、「ここから離れて」（1977）と革命熱を帯びた作品で国際的に有名となりました。チリのファシスト・クーデター（1973年9月1日）後、この国の映画遺産は破壊された。多くの映画人が殺された。110人が行方不明になった。アルゼンチンの軍事政権（1976年〜1983年）の残忍な検閲は、公然と娯楽性の高いハリウッド作品には適用されず、国産映画の上映を阻んでいたのである。関係した文化人たちは撮影や出演を禁止され、多くは国外に移住したり、跡形もなく姿を消したりしていた。

しかし、ラテンアメリカを支配し続けているのは、ファシストのクーデター、弾圧、テロではなく、社会主義キューバの成功、ニカラグア国民の歴史的勝利、大陸にますます広く広がりつつある革命的・解放的運動で、深い社会的側面をもっています。

1970年代末、古いクラシックな映画館に決定的な変化が起こった。メキシコの「ニューシネマ」は商業の支配に対抗するために出現した（M・ヴィオランテ監督『カナネア』、P・レダック監督『メスキタル』、F・カザルス監督『カノア』、F・ゲレロ監督『北からの反抗』）。70年代末からの自由化の流れの中で、ブラジルの映画も変化し、現代社会が抱える問題を題材にしたリアルな映画が多くなってきた。これらは、R.ゲラ、N.ザビエルによる「転落」、L.パウリーノ・ドス・サニオによる「致死的残酷」、J.サルノによる「デルミロ・グーヴェイア大佐」、T.ロバート・ロバートによる「ガイギン-自由への道」である。山崎とN・ペレイラ・ドス・サントスの「監獄の記憶」。80年代半ばからアルゼンチン映画は、社会の激動期にいつも起こるように、現実と目に見える関係を持つようになった。R・ヴァリサーの「自由な鳥のように」、B・カミンの「戦争少年」、A・ドリアの「タッチ」、D・リプシッツの「帰還」、J・H・フシダの「私を待って」、F・ソラナスの「タンゴ 亡国のガルデル」、L・プエンソの「公式戦記」が同国のスクリーンに登場したのです。

民族解放闘争の波に乗って、この10年間にパナマ、プエルトリコ、エクアドル、ハイチ、ガイアナ、ドミニカ共和国、ジャマイカ、ニカラグア、エルサルバドルで若い映画作家たちが台頭してきたのです。これらの国には映画史の先史がない。イベントと直接関係する「ヤングシネマ」は、ニュース映画やドキュメンタリーの領域でその美学を発展させてきた。例えばハイチでは、残忍な反動独裁政権下で、初の国策映画であるA・アントナン監督の『ハイチ、自由の道』が密かに制作・上映された。ニカラグアでは、ソモサ独裁政権に対する民衆の闘いの中で映画が誕生した。

敵対するメディアの偽情報や虚偽の捏造に対して、この国で何が起こっているのか、真実の情報を世界に伝えることが必要だったのだ。少人数のカメラマンで、16mmカラーフィルム25,000m、36時間の撮影を行いました。英雄的なニカラグアの人々の自由への闘いを描いたこれらのユニークな映像は、伝説的なサンディーノの故郷で新しいラテンアメリカ映画が誕生したことを象徴しています。

反動に対する民衆の闘いが、サルバドール映画の誕生につながった。最初のドキュメンタリー映画は1975年に作られた（それぞれ、G・モラソン、A・モラソンによる『モラザン』）。最初のドキュメンタリー映画（G. EscalónのMorazánとM. SortaのThe Zone）は1975年に制作されました。絵はシンプルに、大きな感動を与えるように作られています。エルサルバドルの歴史と、自由と独立を求める人々の絶え間ない闘いを描いたD・デ・テヘラ監督の長編ドキュメンタリー映画「エルサルバドル：The People Will Overcome」が世界中の映画館のスクリーンで上映されたのです。

若い映画 “の創始者は、たいてい公人、作家、詩人、ゲリラ運動のメンバーであった。エクアドルのエストレージャ、パナマのP・リベラ、プエルトリコのJ・ガルシア、ハイチのA・アントニン、ニカラグアのR・ラカヨ。このような状況の中で、自国の歴史や現在の社会で起こっている出来事について真実の情報を提供する国営映画は、大衆を教育する重要な手段として役立っているのである。

ラテンアメリカのほとんどの国では、映画制作者は制作資金を切望し、国産映画の配給方法を模索し、アメリカ映画の配給シェアを減らすのに苦労している。そこでの「新しい映画」は、原則として、熱狂的なファンのグループが観客に道を開いている産物である。これらの問題を解決するためには、社会の変革が必要であり、社会主義国キューバの経験は、大陸全体にとって永続的に重要である。

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メキシコの無声映画時代には、いくつかの映画が製作された。しかし、1920年代以前のフィルムは、多くが失われ、保存されていない。映画史家のジム・モーラの資料によると、最初の「動く絵」は、トーマス・エジソンのキネトスコープを使って1895年に鑑賞されたという。その1年後、オーギュスト・リュミエールによって、映画用映写機が発表された。

メキシコにおける初期の映画製作の起源は、一般にサルバドール・トスカーノ・バラガンによるとされている。トスカーノは、メキシコ初のフィクション映画「ドン・フアン・テノリオ」を制作した。メキシコ革命では、トスカーノはいくつかの戦闘を記録し、1950年に娘の手によって長編ドキュメンタリーにまとめられました。その他の短編は、フランスの映画人の影響を受けたり、パクったりしています。

1906年までには、メキシコシティで映画を普及させるために16の映画サロンがオープンしていた。1911年、下級市民がユーモアや演劇を鑑賞し、役者志望者を養成する場として人気を博したのが「カルパ」（マーキー・サーカス）である。1908年に登場した政治的な演出を施した映画は、今風に言えばプロパガンダとみなされることが多かった。革命期には相当な戦闘が撮影され、そして上映された。

1900年代初頭に経験した映画の人気はその後も高まり、1911年にはメキシコに14棟の映画館が建設された。

1930年代、平和と政治的安定が達成されると、メキシコでは映画が急成長し、世界最高の映画が作られるようになった。ハリウッドがラテンアメリカ向けのスペイン語映画を作ろうとしたのは、様々な民族のスペイン語を話す俳優を組み合わせ、メキシコ人の生活とは違う、メキシコ人には馴染みのないシーンを演じたことが主な原因で失敗しました。初期のメキシコの映画人たちが、1930年にロシアのセルゲイ・アインシュタイン監督の影響を受けていることは重要なことです。

1990年代から現在に至るまで、「ニューメキシカン シネマ時代」とされている。この時期は、アルトゥーロ・リプスタイン、アルフォンソ・アラウ、アルフォンソ・キュアロン、マリア・ノヴァロといった人物がメキシコ映画に登場したことに始まる。この時期に製作された代表的な作品に、『Como agua para chocolate（チョコレートの入った水のように）』（1992）、『Cronos（クロノス）』（1993）、『Sexo, pudor y lagrimas（性と恥、そして涙）』（1999）、『Santitos（小さな聖人）』（1999）があります。また、Alejandro González Iñárritu監督の『Amores perros (Bitch Love)』、Alfonso Cuarón監督の『And Your Mother Too』、Dylan Verrecchio監督の『Tijuana Makes Me Happy』もあります。

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